Un encuentro con el arte berlinés

Los museos y monumentos de Berlín han hecho de esta ciudad un importante centro cultural donde se entremezclan diferentes estilos artísticos. Un recorrido por las galerías y puntos de arte más emblemáticos de la capital alemana.

Martes, 8 de la mañana.
Berlín amanece envuelto en la niebla. Con idea de visitar algunos de los puntos artísticos de uno de los focos culturales más importantes de Europa, me encamino hacia la Isla de los Museos, Museumsinsel, situada en el noroeste de la ciudad.
Desde la Puerta de Brandenburgo, tomo Dorotheenstrasse y atravieso Friedrichstrasse, para llegar a Oranienburger Strasse, famosa por el arte callejero y vanguardista que asoma por cada rincón de la avenida.

En el número 54 de esta calle se encuentra Kunsthaus Tacheles, una casa ocupa donde artistas alternativos e independientes han instalado sus talleres.
Con curiosidad, me adentro en el edificio y recorro cada una de sus cinco plantas. Las paredes, decoradas con grafittis y carteles, indican al visitante dónde están los estudios de pintores y diseñadores. El arte puede tocarse en cada esquina, en cada tramo de escaleras. Un grupo de artistas bohemios han demostrado que pueden cambiar las cosas: una inmensa casa, antes abandonada, convertida en un mágico museo.
En la planta baja se encuentra el Café Zapata, donde hasta el 31 de diciembre se expone una muestra de la obra del fotógrafo Sam Holder.
Salgo de nuevo a la calle y, tras dejar atrás numerosas tiendas donde se venden originales cuadros y grabados, llego a Museumsinsel.

La calle está desierta; no se oye ni un ruido, con excepción de los estridentes graznidos de una bandada de cuervos que sobrevuela el cielo gris. A mi derecha se encuentra la Alte Nationalgalerie, cuya entrada en reconstrucción hace pensar que el museo está cerrado. Al aproximarme, compruebo que no es así y entro. Dos de las tres plantas que componen el edificio albergan la colección permanente de la galería. Un lugar perfecto si lo que se busca es pintura alemana del romanticismo y del realismo (Von Menzel, Leibl, Liebermann y Böcklin son algunos de los artistas aquí expuestos), pero no es el tipo de arte que consigue detenerme y termino el recorrido con rapidez.

Decido que la siguiente visita será al Pergamon-Museum, cuyo nombre se debe al majestuoso Altar de Pérgamo que se erige en el vestíbulo principal. Entre las reconstrucciones de monumentos clásicos, destaca el palacio de Mshatta, cuyas ruinas están situadas a 30 kilómetros de Amman, capital de Jordania.
Con la sensación de haber retrocedido 2.500 años en el tiempo, abandono el lugar y tomo Unter den Linden, uno de los bulevares principales de Berlín, cuya característica más destacada es que se encuentra bordeado de tilos. Sin embargo, en esta época del año, los árboles están desnudos y para aquellos que no tengan nociones de botánica, bien podrían pasar por cualquier otro tipo de planta.
Resuelvo terminar el paseo en el Kulturforum, un conjunto de museos y bibliotecas modernas. Pero antes, quiero subir a la cúpula del Reichstag, diseñada por Norman Foster en 1993. A pesar del viento gélido, la cola de media hora merece la pena. La bóveda acristalada permite una espectacular vista de la ciudad. Aunque a esta hora de la tarde ya es noche cerrada, los edificios berlineses más emblemáticos están iluminados y la panorámica es extraordinaria. Al salir, el autobús número 85 me lleva a Potsdamer Platz, situada a 550 metros del Kulturforum. Son casi las 6 de la tarde, hora en la que cierran todos los museos de la ciudad, por lo que sólo me da tiempo a visitar la Neue Nationalgalerie, un museo moderno donde se exhiben dos muestran temporales: una colección de Klee y otra de Jeff Koons.
En la entrada me recibe un imponente perro de plástico rojo que parece haber sido construido con globos de dimensiones imposibles. Klee me sigue sorprendiendo, a pesar de que puedo imaginar lo qué me voy a encontrar en la sala donde se muestran sus obras. Minutos después, una voz que masculla un idioma ininteligible parece indicar que se termina el tiempo de visita. Al abandonar el edificio, el frío y la oscuridad de la calle hacen que me decante por una cena rápida y por el calor del hotel, donde podré reflexionar acerca de Berlín y de sus fascinantes museos.

En busca de Un Mundo Feliz

Sonia Díaz es parte fundamental de Un Mundo Feliz, un colectivo madrileño que a través del diseño promueve la idea de crear un mundo mejor. Su libro, PICTOPIA, ha supuesto toda una revolución en el mundo de las artes gráficas.

Un Mundo Feliz nació con el objetivo de estimular la conciencia colectiva y la responsabilidad social. Fundada por diseñadores, esta organización se apoya en la fuerza de las imágenes para demostrar que otra realidad es posible. PICTOPIA es su último trabajo, un libro compuesto por más de 400 ilustraciones revolucionarias que buscan un mundo más justo y ecuánime.
Sonia Díaz, una de sus creadoras, ofrece su punto de vista sobre el diseño gráfico y la sociedad actual.

¿Es verdad que el diseño gráfico es el más universal de todas las artes?

Sí. De hecho, el diseño nace históricamente con unas exigencias públicas y democráticas que no tenía el arte. Su carácter funcional y la necesidad de llegar a la mayor cantidad de personas posible, de ser para todos, es la principal cualidad del diseño. Es cierto que existen diseños exclusivos, costosos y únicos, pero ese modelo está más cerca del arte que del diseño. La posibilidad de producirse a bajo coste, en grandes cantidades y que todos podamos acceder a objetos y mensajes cumple ideológicamente esa “función social y pública” del diseño.
En la idea de universalidad está implícita la de humanidad. En este sentido hay cantidad de iniciativas que podemos denominar como “diseño humanitario”. El concepto de humanitario implica considerar a todos los hombres. Es un planteamiento utópico, es decir, no conseguido, pero un proyecto que el hombre persigue de una manera natural. Existen cantidad de proyectos destinados a temas humanitarios, una de la utilidades de nuestro blog, Un Mundo Feliz, es dar a conocer este tipo de proyectos.
Como dice Emily Pilloton, el diseño es un arma, una herramienta que bien utilizada permite actuar de forma positiva en todos los apartados de nuestras vidas. Hablar de iniciativas de diseño para “la humanidad” es tener en cuenta a las personas, su salud, las cuestiones de habitabilidad, buena comunicación, libertad en la expresión de ideas y en última instancia, promover la felicidad o el bienestar de todas las personas a través del diseño industrial, de producto, medioambiental y gráfico o de comunicación.


¿Puede el diseño gráfico movilizar a la sociedad para conseguir un mundo más justo?

Si funciona como diseño activista, sí. Es creatividad que llega al corazón de las personas, y es capaz de movilizar sus conciencias y acciones. La vocación del diseño activista es transmitir valores sociales, políticos, económicos y culturales que lleven a la reflexión y al cambio. Por ello, para dedicarse al activismo es necesario tener una actitud de servicio frente a la sociedad, junto a una mirada totalmente independiente de los aspectos puramente comerciales.
Para lleva a cabo la guerrilla gráfica se necesita mucha energía, ganas de trabajar y no perder la perspectiva. Este tipo de diseño exige estar muy “despiertos”, por eso es mejor trabajar en grupo. Por otro lado, una de las características de la guerrilla es que hay que actuar rápido, lo que exige estar entrenado física y mentalmente.
Como hemos comentado más veces, aquí la mayoría de las instituciones no creen en el poder de nuestro trabajo. Las ONGs en general prefieren trabajar con agencias de comunicación y publicidad porque están más cerca del poder, lo cual es cierto, tienen más recursos y relaciones para llegar al público.
El diseño activista tiene alma libre, para estar en forma necesita que el cliente sea la sociedad, no una empresa.


Carteles denuncia, logos protesta y slogans reivindicativos. ¿Cómo surgió la idea de Un Mundo Feliz?

Surge de una necesidad ética. Lo que realmente destaca de Un Mundo Feliz es la libertad a la hora de plantear y solucionar sus mensajes, esa independencia permite expresar contenidos que comercialmente no serían posibles. Hasta ahora siempre ha funcionado como un proyecto libre y sin censuras.
Un Mundo Feliz es una especie de ONG gráfica cuya principal finalidad es provocar el debate sobre estos temas. Nuestra especialidad es la comunicación visual, por lo tanto, nuestra finalidad es proponer imágenes y mensajes impactantes sobre temas de interés público y social; y por otro lado, enseñar a la gente cómo utilizar estos recursos, proporcionándoles material básico para que los usen. Consideramos nuestro trabajo como una especie de conciencia visual, somos distribuidores de imágenes y palabras para mover las conciencias.
En muchos de nuestros proyectos hemos tratado de reflexionar y visualizar distintas violencias que acosan a la sociedad, es lo que denominamos “estrategias visuales contra la violencia” Representar la violencia es tan fácil como provocarla. Lo difícil es conseguir imágenes que ayuden a pararla. Una de las preocupantes es la violencia de género, ya que es un “problema” global, aunque tal vez no lo sea el lenguaje que se emplea para expresarlo. Nos interesa el tratamiento retórico de esas imágenes, su concisión, tono y argumento, el contexto en el que aparecen y se usan. Por esa razón, siempre hemos tratado de buscar un “lenguaje” global, que visualice de una forma impactante los problemas, las causas y sus consecuencias.
Las imágenes no pueden resolver los problemas, pero tienen la potencialidad de ser útiles si sus creadores son personas responsables y no ignoran la repercusión social de su trabajo y el posible efecto de las “estrategias visuales” que utilizan. Es cierto que muchas de estas imágenes pueden parecer perversas, frívolas o tal vez inútiles. Mostrar las miserias humanas como una mera experiencia estética es algo éticamente reprochable. Sin embargo, la urgencia exige medidas drásticas para llamar la atención, producir un shock o mostrar las evidencias descarnadas de unos actos tan terribles. Siempre que detrás de cada palabra e imagen se esconda una estrategia.


Tal y como se dice en vuestro blog, ¿es posible llegar al corazón de las personas a través del diseño?

Sí, es posible. Aunque no es una misión fácil porque las grandes marcas y medios limitan mucho el acceso que deberíamos tener todos a una comunicación más amplia. Lo mejor en cualquier caso es proponerse pequeñas metas y tener una idea de cómo actuar. Según el diseñador Stefan Sagmeister el trabajo que realizamos no llega a la gente porque, aunque formalmente esté bien ejecutado, suele estar vacío de ideas, no mueve y no induce a pensar. Esto se debe a que la mayoría de los diseñadores (y clientes) no creen en nada. Por lo tanto, una solución sería ayudar a que las personas se hagan más preguntas y sean más curiosas.
Un ejemplo sencillo pero eficaz de cómo implicar a la gente lo hemos llevado a cabo recientemente, la acción fue realizar un pequeño taller improvisado de impresión manual al más genuino estilo "Hazlo tú mismo". A partir de las imágenes de PICTOPIA realizamos 9 plantillas con distintos mensajes. Cada persona podía elegir un determinado diseño, tomar una cartulina de 100x70 cm. e imprimir su cartel, esperar a que se secara y llevárselo a su casa gratuitamente. Está claro que a la gente le gusta mancharse las manos. Al final de la noche unas 300 personas habían impreso sus carteles.


PICTOPIA recopila 400 imágenes y 200 películas quicktime de carácter reivindicativo que nacen de la búsqueda un mundo mejor. ¿Cómo decidisteis la publicación de esta guía comprometida?

Hay una cita de Jonas Ridderstrale y Kjell Nordstrom que dice “Marx tenía razón; los trabajadores poseen los medios de producción claves. El principal medio de producción es el cerebro y las ideas”. Para nosotros lo fundamental son las ideas y su distribución. Partimos del modelo “open-source”, donde el diseñador “regala” sus creaciones para que las usen, prueben y desarrollen los demás. Es un ejemplo de lo que podríamos denominar “ética hacker”, un modo de actuar de aquella persona apasionada con su trabajo y que comparte sus resultados con los demás. Optar por un modelo abierto posee una dimensión ética, la del acceso a una nueva “economía de la información” y de la creatividad. Los hackers Berners-Lee y Torvalds afirman que “tener un interés genuino en tu trabajo puede liberar tu creatividad y energía, infundir alegría y sentido a la vida, y permitir que desarrolles tu potencial como ser humano.”
Desde nuestro punto de vista el diseño social no debería ser exclusivo. Parece una contradicción evidente decir humanitario y exclusivo ¿no?. Nuestra manera de trabajar la hemos denominado “Karaoke revolution project” enfatizando que tanto las imágenes como las palabras se pueden reutilizar continuamente siempre que funcionen. Muchas de las imágenes que aparecen en el libro han sido utilizadas en distintos formatos y aplicaciones, apoyando proyectos de apoyo a las víctimas del huracán Katrina, del tsunami del Océano Indico, contra el uso de las prisiones como complejos industriales, contra la pena de muerte, contra el maltrato a la mujer, contra la guerra de Irak, en apoyo a los damnificados del desastre ecológico del Prestige, en apoyo al pueblo palestino, etc.
De todas formas una de nuestra hipótesis de trabajo en lo que respecta al mundo del diseño es que la exclusividad es un concepto económico, es decir, “lo único”, “lo exclusivo” son valores que lo que enfatizan es el poder económico, no las ideas y su aplicación. Por otro lado, constatamos que el valor de cambio del diseño, por lo menos en lo que respecta a los pequeños estudios de diseño, ha bajado bastante. Nosotros defendemos que si la retribución de nuestro trabajo no se corresponde con la calidad y el esfuerzo realizado, deberíamos poder reutilizar esas imágenes y adaptarlas a nuevos proyectos.
Eso sí, siempre intentamos que la producción sea muy básica. Ideas simples y fáciles de realizar. Nuestros diseños, en el sentido técnico, los podría hacer cualquier persona. Nuestros trabajos tienen una función didáctica esencial, queremos hablar en un lenguaje directo y enseñar a utilizar los recursos más básicos para expresar ideas.


Por último, ahora que estamos en Navidad, ¿un deseo para el nuevo año?

Ilusiones para llevar a cabo nuevas iniciativas y un trabajo digno para todos.

Un concurso de arte abre las puertas de ARCO 2009 a las escuelas de diseño españolas

“CompARTiendo con los estudiantes” es una de las propuestas promovidas por ron Brugal con el fin de fomentar la creatividad de los estudiantes de arte y diseño españoles. El proyecto consiste en un concurso, cuya obra ganadora será expuesta en ARCO 2009.

Brugal, la conocida marca de ron dominicano, ha puesto en marcha “CompARTiendo con los estudiantes”, una iniciativa que pretende mostrar el compromiso de la compañía con el diseño y con los estudiantes de las escuelas y universidades de arte españolas.
El concurso, en el que participarán 100 escuelas y universidades de 23 ciudades de España, premiará al ganador con la exposición de su obra en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (ARCO), con la que Brugal colabora desde hace tres años.
Los trabajos presentados a concurso pueden pertenecer a cualquier disciplina artística: desde esculturas hasta collages, cuyo único requisito debe ser el estar inspirados en la marca Brugal. Los proyectos deberán ser enviados a la página Web, desde donde se hará una pre-selección. La fecha de recepción finaliza el 18 de enero de 2009.
Los 10 finalistas seleccionados viajarán a Madrid el fin de semana del 15 y 16 de febrero para asistir a ARCO, donde podrán ejercer de críticos de arte de las obras de los artistas emergentes Brugal. De ellos, dos resultarán ganadores de una beca para realizar un curso de verano en la Escuela de Diseño Altos de Chavón, en República Dominicana.
El jurado estará compuesto por el pintor y escultor Fernando Bellver, el pintor Javier de Juan, el fotógrafo Chema Madoz y el dibujante Andrés Rabago.
Esta iniciativa es, junto con “CompARTiendo ARCO” y “CompARTiendo con Galerías”, una de las tres ideas que engloba “CompARTiendo el arte con Brugal”, un proyecto con el que la marca muestra su apoyo al mundo artístico.

Graffiti, la máxima expresión del arte urbano

El graffiti, que comenzó como un movimiento urbano de protesta política y social, se ha convertido en la actualidad en toda una corriente artística y es protagonista de multitud de museos y galerías de arte.
El término graffiti se emplea para designar a aquellos dibujos e inscripciones, generalmente pintadas en las paredes de las calles, que tienen cierta carga crítica social y que sirven de forma de expresión de los artistas urbanos. Actualmente, es considerado una forma de arte independiente y su popularidad e importancia crece de forma continuada.
Los graffitis tienen su origen en el movimiento urbano que se desarrolló en el Nueva York de los años 60. La situación que vivía el mundo en aquella época generó la aparición de un grupo de jóvenes artistas que ansiaban la revolución y el cambio social. Y qué mejor forma de hacer un llamamiento a la sociedad que a través de las paredes y muros de las ciudades.
Muchos han sido los que han reconocido que el graffiti es todo un movimiento artístico. Y es que, a día de hoy, los cuadros callejeros pueden admirarse en todo el mundo.

Bansky, dueño de las paredes del mundo
Bansky es el máximo exponente del arte graffiti. Se cree que comenzó a especializarse en pintadas callejeras en los años 80, aunque no se sabe nada de él a ciencia cierta. Sus obras, sátiras sobre la política y la sociedad global, se han hecho famosas en todo el mundo y han llegado a ser expuestas en diferentes museos de forma clandestina. Así, se han podido observar pinturas de este artista en museos como la TATE Modern de Londres o el MOMA de Nueva York. El graffitero ha publicado varios libros con fotografías de sus obras y con textos tan controvertidos como sus pintadas.
Sus mensajes revolucionarios son un intento para crear un discurso crítico y movilizar un cambio social. A través de sus trabajos, Bansky ha atacado a la policía británica, a la política estadounidense, ha condenado rotundamente la guerra y cualquier práctica que implique violencia y privación de la libertad. Una muestra de esto son los murales que pintó sobre el Muro de Cisjordania, construido por Israel en la Palestina ocupada. Sin embargo, ha sido criticado en numerosas ocasiones por trabajar para grandes empresas (como la MTV) cuando uno de sus dogmas es el de proteger al mundo frente al capitalismo.

Graffitis en Berlín
Berlín, capital del arte urbano y callejero, acoge en sus paredes multitud de graffitis que son considerados auténticas obras de arte. Gracias a esto, se ha ganado el título de la ciudad más colorida del mundo.
Los dibujos e inscripciones pintados en el muro que separó la Alemania Occidental de la Oriental durante más de 20 años se han convertido en un icono y en un vestigio mudo del turbulento pasado que vivió la ciudad. Berlín se presenta como un enorme cuadro y son muchos los colectivos de autores que se han trasladado aquí para expresar sus inquietudes artísticas y culturales.

¿Arte o vandalismo?
No son pocos los que consideran que los graffitis son una muestra más del vandalismo callejero del que son víctimas muchas ciudades. No obstante, sería necesario establecer una distinción entre aquellos grupos que decoran paredes con sus obras y aquellos que destrozan propiedades ajenas con botes de pintura.
Si bien es cierto que el graffiti es una práctica ilegal en multitud de países, también es verdad que podría ser visto como una forma de expresión artística y que cabría la posibilidad de reservar ciertos muros para que fueran utilizados por los pintores urbanos.
Lo que sí está claro es que entre los graffiteros se encuentran verdaderos maestros del spray y que algunas de sus pinturas deberían ser conservadas como auténticas piezas de arte.

Barceló convierte la nueva cúpula del Palacio de la ONU en un lienzo

Tras casi dos años de trabajo, el pasado día 18 de noviembre se inauguró la nueva cúpula del Palacio de la ONU en Ginebra, obra del artista Miquel Barceló. La apertura de la sala ha contado con la presencia de los reyes de España y el secretario general de las Naciones Unidas, Ban Ki Moon.

España, octavo contribuyente de la ONU, asumió la rehabilitación de la Sala de los Derecho Humanos y de la Alianza de las Civilizaciones del Palacio de las Naciones de Ginebra. La renovación de la cúpula fue encargada al pintor mallorquín Miquel Barceló, que ha necesitado unos 35.000 kilos de pintura y casi dos años de trabajo para terminar su obra. El resultado final ha sido un cielo de estalactitas de colores que, según ha explicado el propio autor, “parece que saltan a los ojos del espectador”.

El trabajo del artista se ha visto envuelto en la polémica porque, de los 20 millones de euros que ha costado su creación, 500.000 euros han sido obtenidos del Fondo de Ayuda al Desarrollo (FAD).

Al evento acudieron, además de las personalidades anteriormente mencionadas, José Luis Rodríguez Zapatero, Miguel Ángel Moratinos, el director general de la Oficina de Naciones Unidas en Ginebra, Sergei Ordzhonikidze y el presidente de la Confederación Suiza, Pascal Couchepin.

Barceló, quien escribió un poema para la ocasión, leyó su texto en francés, en catalán y en español. La traducción fue simultánea, con excepción del catalán, ya que no había traductor que lo hablase.

Un día de gran calor en pleno Sahel recuerdo con
la vividez de los espejismos la imagen del mundo
goteando hacia el cielo. Árboles, dunas, asnos,
gentes multicolores… Escurriéndose gota a gota.
consumiéndose también.

Todo esto puedo al revés es un mar, pero también
es una cueva: La unión absoluta de contrarios: La
superficie oceánica de la tierra y sus oquedades
más escondidas.

En este mar agitado cabe suponer varios niveles:
El fondo de este mar y sus moradores policromos
El plano del agua
La espuma blanca de las mimas aguas revueltas en
marejada
Y, al final el reflejo. Lo que refleja este mar: Lo que
está debajo: Nosotros

Miquel Barceló

Gallo. Interior de una revista

La Residencia de Estudiantes de Madrid presenta una exposición sobre Gallo, la revista cultural que impulsó Federico García Lorca y que supuso un hito en la historia del periodismo comprometido y revolucionario.

La historia de la revista Gallo se remonta a 1926, año en el que se inauguró el Ateneo de Granada como una alternativa modernizadora y liberal al antiguo Centro Artístico. La visión esperanzada de la cultura que tenía la ciudad atrajo a un grupo de jóvenes artistas que compartían inquietudes literarias y un profundo deseo de cambiar el mundo. Entre ellos se encontraban Enrique Gómez Arboleya y Manuel López Banús, que simpatizaron inmediatamente con Federico García Lorca y con algunos miembros de la tertulia de “El Rinconcillo”, celebrada en el Café Alameda en los primeros años veinte.

Entre todos decidieron crear una revista que reflejase su forma de ver y de pensar, que funcionase como órgano de expresión para defender sus ideas y para dar a conocer sus trabajos. Así, el 9 de marzo de 1928, apareció Gallo, cuyo membrete estaba dibujado por Salvador Dalí y caligrafiado por García Lorca. El primer número recogió textos de Jorge Guillén, Melchor Fernández Almagro, José Bergamín, Dalí, Manuel López Banús, Enrique Gómez Arboleya y, como no, del propio Lorca.

El segundo número de la revista abrió con el “Manifiesto Antiartístico” (el Manifest Groc), firmado por Salvador Dalí, Sebastià Gasch y Lluís Montanyà. Esta declaración de principios defendía el “antiarte”, es decir, el arte industrial, estandarizado, la poética de la modernidad, frente a la concepción tradicional de lo bello y lo artístico. Algunos de los colaboradores de Gallo, como Pedro Salinas, se sintieron molestos por el artículo y el clima de amistad y apoyo que se había respirado hasta entonces se enrareció.

No se llegó a publicar un tercer número de la revista, aunque Gallo continuó durante algún tiempo su andadura. La manera de pensar del grupo granadino, sus ideas innovadoras y su defensa del arte y la literatura nunca llegaron a desaparecer.

Los manuscritos que el grupo de pintores y escritores se enviaron durante esta época de lucha pacífica y defensa de los ideales de la cultura, se muestran hoy en la Residencia de Estudiantes de Madrid. Asimismo, pueden verse fotografías de la pandilla y documentación diversa sobre Gallo, procedente de diferentes colecciones públicas y privadas. La exposición, organizada por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) y el Patronato de la Alhambra y Generalife, se exhibirá hasta el 30 de noviembre.

Obras Maestras del Museo de Montserrat

El Palacio del Marqués de Salamanca de Madrid abre sus puertas para mostrar “Obras Maestras del Museo de Montserrat. De Caravaggio a Picasso”, una exposición formada por 101 obras de arte que ofrecen un recorrido histórico desde el Renacimiento a las Vanguardias artísticas del siglo XX.

La sala BBVA, situada en el madrileño Paseo de Recoletos, recoge esta muestra, cedida por el Museo de Montserrat y cuyo núcleo principal es la escuela catalana de los siglos XIX y XX. El museo, que contiene actualmente más de 1.600 piezas, ha querido dar a conocer algunas de las obras maestras que acoge en su interior con el objetivo de que la abadía de Montserrat esté presente en el panorama cultural español.

La Pinacoteca de Monserrat, germen del actual museo, comenzó a cobrar trascendencia en los años ochenta, cuando, gracias a numerosas donaciones particulares, reunió una importante colección de pintura ochocentista, modernista y noucentista.
Fue fundamental el legado que el arquitecto Xavier Busquets concedió a la institución: varias pinturas de las vanguardias históricas europeas, así como un conjunto de cuadros impresionistas, entre los que destacan dos obras de Claude Monet y un paisaje de Alfred Sisley.

Estas pinturas, junto con otras pertenecientes al primer Renacimiento, cuadros de la escuela catalana, cuatro obras de Picasso y tres de Dalí, reposan en las paredes del Palacio del Marqués de Salamanca esperando a ser visitadas.
Entre las piezas renacentistas destaca el San Jerónimo Penitente de Caravaggio, recientemente restaurado por el Museo del Prado y de las obras catalanas, muy presentes en la muestra, sobresalen el Café de los Incoherentes, de Santiago Rusiñol y Madelaine, de Ramón Casas.

Una colección sorprendente que puede ser visitada hasta el 7 de diciembre.

Pasado, presente y futuro de Honoré Daumier

Con motivo del segundo centenario del nacimiento de Honoré Daumier, la Fundación Banco Santander ha organizado una exposición inédita con más de 120 óleos, dibujos y litografías del artista. La colección, presentada en la Sala de Arte de la Ciudad Financiera de Boadilla, estará expuesta hasta el 11 de enero.

Honoré Daumier (Marsella, 1808 – Valmondois, 1879), caricaturista, dibujante, pintor y escultor francés, es conocido por ser uno de los primeros artistas que hizo uso de los medios de comunicación como soporte artístico.
En 1928, coincidiendo con el auge de la distribución de la prensa periódica, comienza a publicar sus litografías y caricaturas satíricas en diversas revistas humorísticas de la época. Sus dibujos constituyeron una crítica mordaz a la política y la sociedad francesa, temas tratados de forma sistemática en sus obras.

Para conmemorar el segundo centenario de su nacimiento, la Fundación Banco Santander ha organizado la exposición “Honoré Daumier”, formada por una selección de la extensa colección del Hammer Museum de Los Ángeles.
La muestra, que ofrece un amplio contexto de la trayectoria creativa del artista, se centra en el interés de Daumier por la vida cotidiana, política y pública. Es interesante como el dibujante captura gestos dramáticos y emociones con insidiosa elocuencia, convirtiéndose en agudo testigo de su época.

Las permanentes críticas de Daumier al Rey Luis Felipe I de Orleáns le costaron una condena de seis meses en prisión. En la exposición puede verse su obra Presente, pasado y futuro, donde el artista explota la interacción de la luz y la sombra para crear una pera con tres rostros: el perfil que mira a la izquierda parece sonriente y contento, el rostro frontal es hosco y malhumorado y el semblante que mira a la derecha parece manifiestamente irascible. El dibujo es una sátira feroz a los constantes cambios de humor del monarca desde su llegada al poder.

Como complemento a la exposición, la Fundación ha preparado un ciclo de conferencias en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Los coloquios estarán dirigidos por algunos de los grandes especialistas en Daumier y en el arte realista.

Seis fotógrafos norteamericanos

La Fundación Mapfre presenta Coleccionar el mundo (seis fotógrafos norteamericanos), una exposición dedicada a seis grandes artistas estadounidenses, cuya obra es esencial para completar la historia de la fotografía del siglo XX.

Susan Sontag escribió en su ensayo Sobre la fotografía que “coleccionar fotografías es coleccionar el mundo”. De esta idea surge el nombre de esta muestra, que se presenta como una selección de imágenes y de instantes que componen la realidad que nos envuelve.
Los fotógrafos escogidos, protagonistas de uno de los momentos de más esplendor de la fotografía norteamericana, reflejan a través de su labor creativa seis formas diferentes de mirar el mundo. En una época en la que Nueva York está marcado por una efervescencia artística y cultural nunca antes vista, Walker Evans, Diane Arbus, Harry Callahan, Lee Friedlander, Garry Winogrand y Helen Levitt desarrollan un nuevo concepto de fotografía: el reflejo, a través de una cámara, de la sociedad del momento, de la vida paseando en las calles de una gran ciudad.

Walker Evans (1903-1975), considerado el padre de la fotografía documental, muestra en sus obras una mirada precisa y original. Esto queda patente en sus dos obras expuestas, Room in Louisiana Plantation House (1935) y Faces, Pennsylvania Town (1936).

Las fotografías de Diane Arbus (1923-1971) esconden secretos. Sus retratos en primer plano muestran su empatía, su capacidad para entrar en el alma de las personas que le sirven como modelos.

La serie Mujeres Ensimismadas de Harry Callahan (1912-1999) enseña la abstracción con la que caminan determinadas mujeres por las calles de Nueva York.
Es curiosa la constante aparición de reflejos y televisiones en la obra de Lee Friedlander (1934), de la misma manera que resulta interesante como Garry Winogrand (1928-1984), pionero de la fotografía callejera, consigue unas composiciones en las que parece que toda la calle está al servicio del fotógrafo.

Por último, Helen Levitt (1913) consigue plasmar la sensibilidad en papel, a través de sus fotografías de niños jugando en la calle, que acercan al espectador a una realidad tierna y divertida.
La muestra estará expuesta en la Sala Azca de la Fundación Mapfre hasta el 4 de enero. Una opción más que aconsejable para una fría tarde de invierno.